Cycle : Cycle #25 Female Rage

La photographe Molly travaille à mi-temps dans une maison close de Manhattan. En une journée, elle jongle entre tous ses clients, ses collègues, et fait face à sa patronne ambitieuse. Là où la frontière entre le personnel et le professionnel s’efface aisément, Molly lutte pour défendre son identité.

Alors que l’opinion commune était salace et plein de jugements, Lizzie Borden a dédramatisé le travail du sexe dans ce film féministe, intelligent et chaleureux. Au rythme du travail et de ses banalités—mauvais patrons, longues heures—le réalisme est ici saisissant et magnifiquement restauré.
-MUBI

Une jeune femme agitée et abrasive évite l’affection d’un jeune artiste sensible, préférant courir après des chanteurs de punk dans un désir malavisé de gloire et de fortune à Greenwich Village de New York.

Dès son premier long métrage, sélectionné à Cannes, Seidelman redéfinit l’image du personnage féminin, indocile et déterminée, qu’elle établit dans le New York mal famé des années 80. Comme une grande sœur de Susan dans le film suivant, l’égocentrique Wren, lunettes noires et bas résilles, cherche sa place dans les milieux underground de la ville, entre un musicien cynique et un gentil provincial. Une œuvre âpre, rugueuse, frénétique, à l’image de la BO signée The Feelies
-La Cinemathèque

Ada McGrath, jeune femme muette, veuve et passionnée de musique, débarque avec Flora, sa fille, sur une plage de Nouvelle-Zélande où elle doit épouser Alistair Stewart, un colon qu’elle ne connaît que par courrier. Le voyage pour rejoindre la ferme est difficile et Stewart préfère troquer l’encombrant piano auquel elle tient tant contre des terres appartenant à son voisin, George Baines, un être fruste qui vit comme les Maoris.

Palme d’or du Festival de Cannes de 1993, La Leçon de piano est seulement le troisième film de la cinéaste néo-zélandaise Jane Campion après les remarqués Sweetie (1989) et Un ange à ma table (1990). Grande amatrice de littérature romanesque et gothique, marquée notamment par les oeuvres des soeurs Brontë ou d’Ann Radcliffe, Jane Campion transpose avec succès ce genre typiquement anglais dans les contrées sauvages de la Nouvelle-Zélande, à l’aura tout aussi mystérieuse que celle des landes. La scénariste-réalisatrice joue brillamment avec les codes du classicisme pour raconter l’histoire de ce triangle amoureux à haute tension érotique, magnifiquement incarné par Holly Hunter (Crash), Harvey Keitel (Reservoir Dogs) et Sam Neill (Jurassic Park). Comme toujours chez Campion, l’histoire est envisagée à travers le prisme féminin : le personnage d’Ada est une femme forte et affirmée, prête à affronter toutes les batailles pour récupérer son piano, son unique moyen d’expression avec sa fille Flora – interprétée par l’impressionnante Anna Paquin (True Blood), alors âgée de neuf ans. Jane Campion signe là une oeuvre charnelle – où le plaisir féminin est pour une fois mis en avant – autour de personnages tiraillés entre la culture qui leur a été inculquée, et leurs instincts et pulsions naturels. Avec ses paysages ensorcelants et sa musique enivrante, La Leçon de piano est une peinture aussi délicate qu’embrasée de la passion amoureuse sublimée par un fabuleux quatuor d’acteurs, à contempler pour la première fois dans sa version restaurée 4K !

Médée est la fille du roi de l’île de Colchide. Jason, à la tête des Argonautes, débarque sur l’île pour s’emparer de la Toison d’or. Médée s’éprend de Jason et, grâce à ses dons de magicienne, parvient à obtenir le trophée. Après avoir tué le frère de Médée qui s’opposait à leur départ, Médée et Jason vivent d’heureuses années à Iolchos, puis à Corinthe. Jusqu’au jour où Jason tombe amoureux de Glauce, la fille du roi de Corinthe, Créon.

Adaptation de la célèbre tragédie d’Euripide, Médée est une œuvre sublime qui déborde de toute la démesure sanglante du mythe grec. Pier Paolo Pasolini clôt ici avec brio sa trilogie entamée avec L’Évangile selon saint Matthieu et Œdipe roi. C’est au cours de la décennie 1960 que le cinéaste redécouvre avec passion l’Antiquité et ses grands mythes, et qu’il effectue en parallèle des voyages à travers l’Afrique, le Moyen- Orient et l’Asie – certaines scènes en extérieur de Médée furent notamment tournées en Syrie et en Turquie. Pasolini voit dans ces nouveaux paysages un moyen de se rapprocher du sacré, loin de l’Italie et de son capitalisme politique qu’il exècre. Incarnée par la cantatrice Maria Callas dans son unique rôle au cinéma, extraordinaire dans son interprétation pleine de grâce et de passion, elle insuffle une humanité qui n’avait jusque-là jamais été admise à cette figure classique de femme coupable. Œuvre totale et fulgurante, Médée est un subtile mélange de mythologie classique et de critique sociale contemporaine.

Don Lope est un grand bourgeois tolédan d’âge mûr, oisif, libéral, anticlérical et don juan. Orpheline, Tristana est recueilli par cet aristocrate vieillissant de Tolède, qui devient son tuteur, puis son amant. Bientôt, elle l’abandonne et part vivre avec un peintre, Horacio. Quelques années après, la jeune femme revient malade d’une tumeur à la jambe.

Tristana est seulement le troisième film de Luis Buñuel tourné en Espagne après Las Hurdes (Terre sans pain) en 1932 et Viridiana en 1961. Le réalisateur célèbre ici ses retrouvailles avec la ville de Tolède, où il se rendait régulièrement depuis Madrid avec ses amis Salvador Dalí et Federico García Lorca. Les pérégrinations de ses personnages à travers la ville traduisent la nostalgie du cinéaste pour la cité de sa jeunesse. Tristana dénote également la fascination de Buñuel pour les petites choses de la vie qui peuvent changer le cours de l’existence – par exemple, le simple choix de s’engager dans une ruelle plutôt qu’une autre transformera à jamais la vie de la jeune femme car c’est là qu’elle fait la rencontre de son amant. Mais ce film sert avant tout de catalyseur au réalisateur car il fait confronter les décors de sa jeunesse à son angoisse de la vieillesse. Alors âgé de soixante-neuf ans, Buñuel s’identifie au personnage de Don Lope, vieil homme bourré de contradictions qu’il a peur de devenir, ce bourgeois anticlérical qui finit par boire un chocolat chaud avec les curés. À travers ce film, le cinéaste prouve finalement sa passion pour les personnages extrêmes et passionnés plutôt que pour les sages et les pragmatiques comme Horacio, l’amant italien de Tristana. Catherine Deneuve, qui a elle-même sollicité Buñuel pour retravailler avec lui, excelle à montrer la transformation de son personnage, de la jeune fille innocente des débuts à la femme froide et manipulatrice qu’elle finit par devenir. Plus elle s’affranchit de Don Lope – auquel elle reste malgré tout attirée tel un aimant – plus sa beauté se révèle, dévoilant un érotisme troublant malgré son corps mutilé. Considéré comme l’un des films les plus personnels de Buñuel, dernier film de la veine romanesque du réalisateur, Tristana montre de la plus belle des façons le passage du désir à l’amour véritable de la personne à travers sa blessure et son handicap.

Tourmentée par une mère névrosée et tyrannique, la vie n’est pas rose pour Carrie. D’autant plus qu’elle est la bouc émissaire des filles du collège. Elle ne fait que subir et ne peut rendre les coups, jusqu’à ce qu’elle ne se découvre un étrange pouvoir surnaturel.

Sissy Spacek/Carrie White, harcelée au lycée, tyrannisée par une mère névrosée, se découvre des dons de télékinésie. Brian de Palma adapte Stephen King dans un récit initiatique cruel, cheminement vers le mal et réflexion baignée de sang sur la féminité naissante, et multiplie au passage les clins d’œil au maître Hitchcock (la scène de douche, la BO stridente de Pino Donaggio).
-La Cinemathèque

⚠ TW : scènes de harcèlement scolaire, de violences psychologiques et familiales et images de sang, évidemment.

Interdit aux – de 12 ans

Le professeur Genessier kidnappe des jeunes filles dont il utilise la peau pour tenter d’offrir un nouveau visage à sa fille défigurée.

Avec Boileau et Narcejac, Franju a conçu un scénario diabolique : un chirurgien kidnappe des jeunes filles pour greffer leur peau sur le visage de sa fille, défigurée. Une 2CV, le ciré noir d’Alida Valli. Le regard pur d’Édith Scob derrière son masque inexpressif. Les noirs profonds et les blancs aveuglants signés Eugen Schüfftan, qui marquent chaque scène d’une beauté glaçante. Une référence de l’épouvante à la française, merveille poétique, qui inspirera des générations de cinéastes, de Jess Franco à John Carpenter ou Leos Carax.

⚠ TW : Le film comporte une scène de chirurgie réaliste, ainsi que des situations de violence. Ces éléments peuvent heurter.

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