Une New-Yorkaise (qui n'a pas vraiment d'appartement) espère intégrer une troupe de danse (alors qu'elle n'est pas vraiment danseuse) et se jette à corps perdu dans ses rêves, alors même que la possibilité de les voir se réaliser s'amenuise.

« Je ne suis pas encore une vraie personne », dit Frances, 27 ans. Avec ce film américain funambule et drôle, on plonge dans les tourments d’une génération qui a quitté l’adolescence depuis longtemps sans parvenir à aborder la terre ferme d’un hypothétique âge adulte. L’héroïne n’est plus étudiante, mais elle ne travaille pas. Elle ne vit plus chez ses parents, mais elle cherche toujours son chez-soi. Elle incarne cet entre-deux, autour de la trentaine, qui peut s’éterniser, devenir un destin par défaut.

– Télérama

La Danseuse sera précédée du court métrage Pas de deux réalisé par Norman McLaren.

Loïe Fuller est née dans le grand ouest américain. Rien ne destine cette fille de ferme à devenir la gloire des cabarets parisiens de la Belle Époque et encore moins à danser à l’Opéra de Paris. Cachée sous des mètres de soie, les bras prolongés de longues baguettes en bois, Loïe réinvente son corps sur scène et émerveille chaque soir un peu plus. Même si les efforts physiques doivent lui briser le dos, même si la puissance des éclairages doit lui brûler les yeux, elle ne cessera de perfectionner sa danse. Mais sa rencontre avec Isadora Duncan, jeune prodige avide de gloire, va précipiter la chute de cette icône du début du 20ᵉ siècle.

Fase est une adaptation cinématographique de la première performance de la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker en 1982 : Fase, Four movements to the music of Steve Reich. Vingt ans après la chorégraphie qui a lancé la compagnie de danse Rosas, le cinéaste et compositeur Thierry De Mey a créé cette interprétation cinématographique. Tout comme le spectacle de danse, le film est divisé en quatre parties qui se jouent dans quatre lieux différents. De Mey explore la relation entre mouvement, musique et image, offrant ainsi une expérience visuelle unique et immersive.

« Filmer la danse, c’est à la fois filmer une écriture, et filmer des interprètes qui portent cette écriture et lui donnent de la chair. »

–Thierry De Mey

1994, Écosse. Dans leur petite ville, Johnno et Spanner ont toujours été les meilleurs amis du monde, mais au seuil de l'âge adulte, leurs vies sont vouées à prendre des directions différentes… Mais cet été va tout changer : à travers tout le Royaume-Uni, c'est l'explosion du phénomène des free parties, le plus grand mouvement de contre-culture jeune de récente mémoire. Avant que Johnno ne déménage, pour leur dernière soirée ensemble, les garçons partent pour une rave illégale. Galvanisés par l'anarchie et l'ivresse de la vie nocturne, ils vont vivre un voyage inoubliable, jusqu'à une confrontation avec les forces de l'ordre et de la loi.

Dans la lignée de Trainspotting, Beats est un très joli film qui évite l'écueil de représenter son sujet de manière grandiloquente et moralisatrice pour plutôt nous livrer un portrait touchant de la jeunesse écossaise à travers l'épopée ravesque de deux amis issus de milieux sociaux très différents mais réunis par l'amour de la fête et de la joyeuse débauche.

– Pierre Glista

Avertissement : des scènes, des propos ou des images peuvent heurter la sensibilité des spectateur·ices.

Rivalités dans la troupe du New York City Ballet. Nina est prête à tout pour obtenir le rôle principal du Lac des cygnes que dirige l’ambigu Thomas. Mais elle se trouve bientôt confrontée à la belle et sensuelle nouvelle recrue, Lily...

Si Black Swan fait le choix de dépeindre la danse classique dans ses aspects les plus sombres, cette obscurité n’est pas sans virtuosité. Darren Aronofsky pousse les stéréotypes à l’extrême. Pourtant, l’on ne peut s’empêcher de reconnaître la performance narrative et scénaristique orchestrée autour des thématiques complexes de la découverte du soi profond. Quête de liberté, de perfection et d’émancipation : à travers le personnage de Nina – pour lequel Natalie Portman remporte l’Oscar de la meilleure actrice en 2010, c’est le passage de l’enfance à l’âge adulte que le réalisateur dépeint sous le tulle, les violons et.. quelques épines noires.

– Aude Cuilhé pour Maze

Lara, 15 ans, rêve de devenir danseuse étoile. Avec le soutien de son père, elle se lance à corps perdu dans cette quête d’absolu. Mais ce corps ne se plie pas si facilement à la discipline que lui impose Lara, car celle-ci est née garçon.

On voit bien les pistes évidentes, du drame instructif, possiblement moralisateur, pensé pour élever le festivalier occidental en mal de grands thèmes sociétaux sur lesquels appuyer ses émotions, épaissies par de nombreuses soirées à se beurrer au champagne tiède. Par bonheur, Lukas Dhont, dont c’est le premier long-métrage, déjoue presque instantanément tous les attendus du genre. […] Quand un nouveau venu s'attaque à un sujet immensément complexe pour mieux en retourner toutes les problématiques, il nous offre un condensé d'humanité et de sensibilité qui nous va droit au cœur.

– Simon Riaux pour Ecran Large

Benigno, un jeune infirmier, et Marco, un écrivain d'une quarantaine d'années, se rendent, chacun de son côté, à un spectacle de Pina Bausch, Café Müller. Ils sont assis l'un à côté de l'autre. La pièce est si émouvante que Marco éclate en sanglots. Apercevant les larmes de son voisin, Benigno aimerait lui faire part de son émotion, mais il n'ose pas. Quelques mois plus tard, les deux hommes se retrouvent dans d'autres circonstances, à la clinique El Bosque, où travaille Benigno. Lydia, la petite amie de Marco, torero professionnel, est plongée dans un profond coma suite à un accident survenu lors d'une corrida. Benigno, quant à lui, est au chevet d'Alicia, une jeune danseuse également dans le coma. Lorsque Marco passe à côté de la chambre d'Alicia, Benigno, sans hésiter, s'approche de lui. C'est le début d'une grande amitié quelque peu mouvementée.

Producteur de télévision parisien à succès, Joachim avait tout plaqué - enfants, amis, ennemis, amours et remords – pour repartir à zéro en Amérique à l’aube de ses quarante ans. Il revient avec une tournée de strip-teaseuses «New Burlesque» à qui il a fait fantasmer la France… Paris !

La critique note que Mathieu Amalric endosse, devant la caméra, le costume d’un producteur à l’ancienne. « Inspiré de Colette, illuminé par les filles du new burlesque, Tournée est, aussi, un hommage à ces producteurs qui, tel Bernard Palissy, sont capables de brûler leurs meubles pour financer leurs rêves ». Comme « Claude Berri qui hypothèque sa maison pour payer les dernières scènes de Tess de Roman Polanski », écrit Thierry Gandillot dans Les Échos. « La moustache, c’est en hommage à Paulo Branco, l’un des derniers aventuriers de la profession », et producteur du second long métrage de Mathieu Amalric, Le Stade de Wimbledon en 2000. « Le personnage évoque un autre producteur, Jean-Pierre Rassam, mort de démesure », souligne Jean-Marc Parisis du Point. De fait, poursuivent Serge Kaganski et Jean-Baptiste Morain des Inrockuptibles, « Tournée rend hommage à une vision artisanale du cinéma, aux entrepreneurs de spectacle à la fois flamboyants et casse-cou, à la beauté émouvante des corps et des visages non formatés ».

– Revue de presse par La Cinémathèque française